The 75, 85, 100 Rule of Shooting: How to Be a Happier Photographer

Abbiamo tutti sentito dire che “i veri fotografi lo fanno proprio sulla fotocamera”. Che si tratti di un serio dibattito sullo scatto RAW rispetto a JPEG o di un sermone sui pericoli dell’utilizzo di qualsiasi cosa tranne la modalità manuale, può esserci molta pressione per ottenere foto perfette direttamente dalla fotocamera. Ci può anche essere una tendenza negligente a “aggiustarlo più tardi”. Entrambi gli estremi hanno degli svantaggi e ho scoperto che un approccio equilibrato è essenziale per lo sviluppo personale e la felicità.

Sono abbastanza grande solo per sopravvivere alla rivoluzione digitale, e ci sono sicuramente cose che ricordo con molto affetto dell’era del cinema. Prima di essere descritto come un nuovo luddista, voglio essere chiaro che non mi immagino mai di tornare al cinema per affari: il fattore costo e convenienza lo rende irragionevole. Ma adoro girare film!

In molti modi, girare il film è stato un flusso di lavoro molto più snello. Supponendo che il tuo film sia stato sviluppato in un laboratorio di qualità, gran parte della post-elaborazione che ora ricade sul fotografo è stata eseguita da uno degli operatori del minilab appollaiati dietro Noritsu o Frontier. Anche se ho scansionato e modificato le immagini in Photoshop come ho fatto, sapevo quale stock di film mi piaceva: aveva un aspetto originale che era vicino a quello che volevo.

Questo non è più il caso. Ci sono stati sicuramente incredibili miglioramenti nella qualità dell’immagine prodotta dalle moderne fotocamere digitali rispetto alla prima D70, ma devo ancora trovare la miscela magica che imiti la semplicità di un flusso di lavoro su pellicola.

Agli albori del passaggio al digitale, mi sentivo come se stessi ricominciando da capo con la fotografia. I concetti di base si applicano ancora, ma mi sono sentito molto frustrato dal fatto di non poter ottenere lo stesso “look”. Da questa frustrazione, ho sviluppato un approccio per aiutare a superare la transizione.

La frustrazione può uccidere la creatività. Il mio problema non era che in qualche modo avessi dimenticato le basi della fotografia, era che avevo bisogno di sviluppare una migliore comprensione degli attuali cambiamenti tecnologici. Avevo bisogno di un sistema che mi desse spazio per fallire e capire le cose – per migliorare. Non solo questo approccio mi ha aiutato, ma per oltre un decennio ho utilizzato lo stesso approccio con i miei studenti per aiutarli a orientarsi nel loro sviluppo.

Proprio come i miei studenti, ho scoperto che mentre crescevo come fotografo, ero molto più felice del mio viaggio che incoraggiava una maggiore crescita. Era periodico.

Spero che questo aiuti a ridurre parte della pressione e dello stigma di consentire al fotografo di concentrarsi sulla creazione di un lavoro oggettivo, non sul fatto che lo stiano “facendo bene”. Ho chiamato questo approccio la regola 75, 85 e 100, ma “linea guida” è forse un termine più appropriato. I tuoi numeri potrebbero sembrare leggermente diversi a seconda di quanto hai viaggiato, ma secondo la mia esperienza, questo è un buon punto di partenza.

Ottieni la tua foto al 75% direttamente nella fotocamera

telemetro E il WPPI Un rapporto pubblicato a maggio del 2021 identifica diverse metriche chiave per il mercato del matrimonio professionale. Anche se mi rendo conto che non tutti i lettori sono fotografi professionisti, fotografi di matrimoni professionisti o vogliono mai essere fotografi professionisti, c’era una statistica chiave che penso sia valida per la nostra forma d’arte: noi fotografi trascorriamo molto tempo dietro un computer. In effetti, questo rapporto ha rilevato che il 58% degli intervistati trascorre più tempo dietro un computer che dietro una fotocamera e solo il 19% trascorre più tempo a fotografare.

Sinceramente, trovo che il computer sia un blocco condensato di condensatori, circuiti integrati e magia nera che succhia l’anima. Non mi piace molto il montaggio, ma il fatto è che sono timido nell’estrarlo e spero che l’editor capisca la tua visione, questo fa parte del nostro flusso di lavoro.

La buona notizia è che abbiamo voce in capitolo! Dobbiamo scegliere quanto editing fare. Insegno ai miei studenti che ogni minuto risparmiato dietro il computer è un minuto libero per lavorare con un nuovo cliente o per sedersi sotto un albero – entrambi sono perfettamente validi. Il mio consiglio è di concentrarsi su alcune semplici cose per ottenere un’immagine del 75% nella fotocamera.

1. La copertura è tutto

Se pensi di aver sparato abbastanza, spara di più. Esplora tutti gli angoli del bersaglio: cambia la prospettiva della telecamera. Prova una lunghezza focale e una profondità di campo diverse, controlla i bordi della cornice sporchi e assicurati che l’esposizione, il bilanciamento del bianco e la messa a fuoco accurata siano il più vicino possibile. So che tutti abbiamo guardato le foto di gruppo delle riprese e abbiamo pensato “Se solo avessi…”. Il miglior consiglio che posso darti è di assicurarti prima di tutto di girare adeguatamente.

Non voglio che nessuno senta difendere la tecnica spray-and-pray qui, stai lavorando con la fotocamera, non con un irrigatore, ma con 10 fotogrammi in più che potrebbero far risparmiare molto tempo nel montaggio. Rallenta, valuta il soggetto e la tua fotografia; Trova i colpi che ti sei perso.

2. Impara ad amare il color checker

Sì, è un passaggio in più per creare e applicare profili colore. Ma! L’aggiunta di quindici secondi per scattare una foto di una combinazione di colori può fare molto quando inizi a modificare. Non devi essere un Calibrite, ma investi in un buon schema IT8, vale il tuo tempo e denaro.

Investire e utilizzare un buon schema IT8 vale il tuo tempo e denaro.

3. Accetta di “Chiudi”

L’obiettivo è sempre la crescita e il miglioramento del carattere. Voglio che le mie foto siano il più vicino possibile alla prontezza del cliente, soprattutto quando il cliente sono io. Tuttavia, credo fermamente che ci sia una correlazione tra la qualità del lavoro prodotto e il godimento della sua produzione. Quando ci concentriamo troppo sul fatto che tutto sia perfetto, può portare a insicurezza e procrastinazione, spesso ostacolando la nostra capacità di essere creativi.

Non sto promuovendo la mentalità “meh, lo sistemerò post”, mantienilo il più vicino possibile alla tua visione. Se il massimo che puoi avvicinare alla tua visione in questo momento è del 75%, concediti il ​​permesso di esserne felice.

Seleziona le immagini finali e completa all’85%.

Può creare un po’ di confusione quando guardo per la prima volta un gruppo di foto che devono essere modificate, quindi a questo punto spero di concentrarmi non sul prodotto finale previsto, ma sulle ossa della foto. L’obiettivo finale a questo punto è ottenere le immagini finali impostate e complete all’85%. In qualsiasi asset manager digitale che ti piace; Lightroom, Bridge, Darktable, ACDSee, Capture One, qualunque cosa: tratta questi file il più separati possibile.

La separazione è difficile. Questa può essere la più grande lotta per gli artisti. Eravamo lì, sappiamo cosa abbiamo visto, vogliamo amare ciò che abbiamo filmato e condividere con gli altri – vogliamo che si sentano come ci siamo sentiti. Quei momenti toccanti sono la cosa che mi fa prendere in mano la telecamera. Il problema arriva quando perdiamo l’obiettività. Dobbiamo valutare le immagini per quello che sono, non per come ci siamo sentiti in questo momento.

1. Scansiona le foto degli effetti

Il mio approccio consiste nel visualizzare le immagini nella visualizzazione griglia in Lightroom con la dimensione della miniatura impostata a metà. A seconda della tua prescrizione e delle dimensioni del tuo schermo, questo potrebbe essere diverso per te: trova la dimensione che ti consente di avere un’idea di ogni immagine senza farti distrarre dai dettagli.

Il mio stile è molto semplice, se non mi piace la miniatura, probabilmente non mi piacerà l’immagine a grandezza naturale. Cerca le immagini che hanno un impatto e che ti saltano all’occhio. Non amerai tutte le foto che scatti, e va bene così. Seleziona le immagini che catturano la tua attenzione in qualsiasi modo funzioni. Uso la valutazione a stelle dove 1 stella indica un’immagine che merita ulteriori ricerche. Lavora velocemente, se hai più immagini della stessa composizione, taggale tutte.

2. Cerca opportunità di modifica collettiva

Dopo aver fatto le mie scelte approssimative, inizio a cercare opportunità di modifica in batch. Forse 10 scatti consecutivi sono sottoesposti o il bilanciamento del bianco è disattivato. Questa è la fase in cui un color checker torna utile. Sia che tu stia applicando un profilo della fotocamera o tirando la giusta temperatura di colore, questo strumento può fare un rapido lavoro di problemi di base. Se stai lavorando con i preset, ora è il momento di applicarli. Qualunque cosa tu faccia, ricorda che non saremo perfetti, solo raccogliere i frutti appesi.

3. Effettuare le selezioni finali

A questo punto, di solito ho un’idea abbastanza precisa delle foto con cui voglio procedere e le classificherò 3 o 4. Ora è il momento di confrontare scatti simili per messa a fuoco critica o differenze compositive e apportare modifiche individuali. Potrei anche tornare indietro e guardare le foto circostanti che non sono state fatte al primo round per assicurarmi che non mi sia sfuggito nulla. Ricorda, non stiamo ancora apportando modifiche finali, stiamo solo guardando al completamento dell’85%.

Pensa e apporta le modifiche finali fino al 100%

1. Pensa

Perché fermarsi all’85%? Una volta selezionate le foto, mi piace prendermi del tempo per riflettere su ciò che ho catturato, essere onesto con me stesso e annotare le aree su cui devo lavorare per migliorare. È anche importante scrivere le cose che hanno funzionato bene e che potrebbe valere la pena rifare. C’è sempre qualcosa che trovo notevole, e una costante rivalutazione è il modo migliore per crescere.

2. Adeguamenti finali

In qualunque programma ti senti più a tuo agio, questo è il momento di apportare le modifiche finali. Credo fermamente nel ruolo che l’ambiente gioca nella produttività. Quanto a me, di solito lavoro a casa con un sacco di caffè e ascolto musica da brain.fm. La “musica” può essere un po’ strana all’inizio, ma l’ho trovato davvero utile negli ultimi anni, provalo se non l’hai provato!

Alcuni dei miei lavori sono solo per me e alcuni potrebbero essere per i clienti. In ogni caso, considera il prodotto finale e prova a lavorare in un ultimo lotto. Ho scoperto che le mie modifiche sono più coerenti e posso modificare in modo più efficace in questo modo.

3. Rifletti… di nuovo

Una volta che hai finito, rilassati, fai un respiro profondo e pensa alle lezioni che possono essere portate via. Dai gloria quando è dovuta, ma non aver paura di essere fedele a te stesso. Cerca il bene e il male e lavora per crescere.

Infine

E se non riesci a ottenere le tue foto al 100%? Va bene! E se occorrono cinque ore per ottenere un’immagine vicina al 100%? Anche questo è buono! Ogni fotografo ha spazio per crescere, per ampliare la sua comprensione, per espandersi in modo creativo.

Se a questo punto hai bisogno di un po’ più di editing rispetto ad altri fotografi, va bene! Sii gentile con te stesso e non permettere alle aspettative degli altri di decidere come lavori. Mi piace quando i passaggi due e tre sono brevi, mi piace scattare più che modificare. Probabilmente sei dall’altra parte dello spettro, va bene anche questo. Dobbiamo permettere a ogni artista di perseguire la fotografia a modo suo. Concentrarsi sul divertimento della fotografia e non sul dogma di alcuni fotografi.

Non è possibile utilizzare gli stessi pesi, lo stesso numero di passaggi o altro. La cosa che spero tu porti via da questo è che dovresti sviluppare un sistema che funzioni per dove sei e ti incoraggi quando arrivi dove vuoi essere.


Crediti immagine: Foto d’archivio da Depositphotos

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