Shunning Popular Opinions to Elevate your Photographs

La fotografia è dominata da certe convinzioni, risultando in monotone somiglianze nelle fotografie. Liberarsi dai vincoli della pressione dei pari può rivoluzionare le tue foto. Ma non aspettarti che quelli persi nelle nebbie della mediocrità e quelli con immaginazione limitata lo apprezzino.

Ci sono aspettative nella fotografia che le immagini di determinati tipi appaiano in un certo modo. L’argomento può variare, ma ci sono modi limitati di rappresentarlo che l’istituzione ritiene accettabile.

Ad esempio, i fotografi spesso si sforzano di rendere il soggetto dominante all’interno dell’inquadratura. L’approccio tipico è che l’argomento è più importante di qualsiasi altra cosa. Successivamente, lo illuminiamo per renderlo evidente e utilizziamo la profondità di campo e altre tecniche di separazione per far risaltare il soggetto dallo sfondo.

Ma cosa accadrebbe se scegliessimo un approccio diverso. Invece di rendere dominante il soggetto principale, riducilo fino a quando non è appena percettibile e si vede solo se l’immagine è studiata adeguatamente.

Prendi ad esempio l’immagine qui sotto. Fare clic su di esso per adattarlo allo schermo.

Come hai tracciato il tuo sguardo attraverso la cornice? Per la maggior parte delle persone, parte dal faro dell’isola. Dopodiché, si sposta verso l’alto verso la luna sopra il telaio. Successivamente, l’occhio è temporaneamente attaccato alla luce prima dell’alba che illumina le nuvole. Infine, lo spettatore nota la distrazione sulle rocce sottostanti. Solo allora si rendono conto che è un uccello, Crow.

Prima di urlare di aver visto per primo l’uccello, va bene. Non tutti gli occhi seguiranno l’immagine allo stesso modo.

Questo non funzionerà nel modo sciocco in cui le persone visualizzano le foto su Instagram: scorrendo e facendo clic su “Mi piace” su un piccolo schermo senza studiare la foto. Anche l’uccello non se ne accorgerà. Ma se viene mostrato in una galleria di qualità, in cui gli spettatori si fermano e studiano le foto, applicare un ritardo è un metodo perfettamente accettabile.

Di solito dirigiamo gli occhi degli spettatori intorno all’immagine usando le linee principali. Questa immagine di un membro della squadra funziona in modo diverso. Utilizza punti di distrazione che spostano l’occhio da un luogo all’altro: il faro, la luna, le nuvole illuminate e l’uccello.

I giudici, che vengono presentati in concorsi fotografici, potrebbero non apprezzare foto come questa per quello che sono. Potrebbero vedere l’uccello come nient’altro che una distrazione indesiderata in uno scatto di paesaggio, piuttosto che il modo in cui il fotografo intendeva visualizzare l’immagine. È colpa del fotografo o del giudice? Direi che è una restrizione di quest’ultimo.

L’immagine seguente ha una riga di input. Una fila di impronte conduce lo sguardo al soggetto principale: la donna con il mantello rosa. Sta camminando su una spiaggia deserta spalancata. Quando si pensa a una foto, si può dedurre una storia dalla foto. Innanzitutto, il percorso che hai intrapreso è tortuoso, giri intorno alla massa di alghe e non ci metti piede. Ciò indica che si tratta di una passeggiata spensierata piuttosto che una camminata determinata. Quindi, il percorso su cui ti trovi sta per intersecarsi con quello che sembra un altro insieme di impronte. Questa spiaggia non è così deserta come pensavamo all’inizio?

Tuttavia, un esame più attento rivela la nostra vulnerabilità alla disinformazione. Queste non sono impronte, ma una scia di alghe lasciate dalla marea che si ritira.

Anche in questo caso, i giudici possono contrassegnare la foto a causa dell’effetto delle alghe come distrazione indesiderata. Pertanto, il fotografo può rimuovere sia questa immagine che il blocco al centro del primo piano durante la modifica. Questo semplificherebbe l’immagine, cosa che di solito mi piace, ma quella storia secondaria fuorviante andrebbe persa. Inoltre rende la composizione sbilanciata.

Quindi c’è un dilemma: ci inchiniamo all’idea che le immagini dovrebbero essere facili da capire o sacrifichiamo la semplicità e persino la bellezza per creare qualcosa che richieda più pensiero per farlo bene? In altre parole, dovremmo far lavorare lo spettatore per capire l’immagine? Discutiamo spesso del rapporto tra il soggetto e il fotografo, in particolare il soggetto umano. Tuttavia, questa relazione tra il fotografo e lo spettatore è più complessa.

Forse teniamo a mente le scene, specialmente durante le riprese pubblicitarie. L’immagine non deve soddisfare solo il cliente, ma anche i suoi clienti. Ad esempio, nel caso di scattare foto di catalogo per un’azienda di abbigliamento, il cliente desidera foto che facciano vendere i suoi prodotti. Se non espressamente richiesto, il fotografo non aprirà la sua cassetta degli attrezzi creativa e applicherà tecniche artistiche insolite ed emozionanti.

Questa limitazione è un compromesso che molti fotografi fanno sia che si tratti di fotografare prodotti, ritratti o animali domestici. Perdonate le continue allusioni, ma anche i social media, i fotografi sportivi e di strada stanno catturando immagini in linea con le aspettative degli spettatori.

E se fotografassi solo per amore dell’arte? Questa relazione diventa più tesa. In primo luogo, gli artisti si esprimono nelle loro fotografie e, così facendo, non dovrebbero servire una torta fondente in due pezzi come pensano gli altri. Ma se non rispettano le aspettative dell’istituzione, difficilmente verranno notati, tanto meno celebrati. L’eccezione, ovviamente, è nel mondo dell’arte accademica, dove la creatività progressista e la rottura con le norme sono – giustamente – benvenute.

Se questo è il caso, se la vera creatività è limitata al mondo accademico, allora la maggior parte di noi è vincolata dalle limitazioni che la pressione dei pari ci ha imposto. Ci limitiamo a perseguire ciò che altri hanno fatto prima di noi, che è ostacolato dai cosiddetti fatti che non sono altro che opinioni popolari soggettive.

Prendiamo come esempio l’argomento del sensore da 35 mm. Danno un aspetto distintivo all’immagine che i dipartimenti marketing delle principali aziende produttrici di fotocamere considerano il gold standard. A causa di questa pressione, l’aspetto full frame è diventato un’aspettativa per molti, ma non tutti, i fotografi commerciali. Questa anticipazione si è insinuata nel mondo della fotografia non commerciale e creativa. Pertanto, non c’è un po’ di vantarsi delle fotocamere full frame che porta a una situazione di distacco che limita la versatilità e la creatività.

Non fraintendetemi, non c’è niente di sbagliato nel sensore da 35 mm. Ma i creatori devono rendersi conto che non c’è nulla sopra o sotto di esso o qualsiasi altro formato di sensore. Sono solo diversi. Ognuno ha i suoi vantaggi, così come ognuno fa concessioni. Se una fotocamera full frame ti dà l’aspetto che ami, va bene; Non discuto con quello. Tuttavia, se scattiamo per creare arte, dovremmo probabilmente chiederci perché ci piace. Dipende solo dal rispetto dell’accordo: lo vogliamo perché è ciò che ci si aspetta che amiamo? Se è così, allora dobbiamo sfidarlo.

Lo stesso si può dire delle marche di fotocamere, della profondità di campo, della nitidezza dell’obiettivo, dello sviluppo tecnologico, della lunghezza focale, della composizione e delle aspettative di esposizione, delle conversioni in bianco e nero, ecc. Lo usiamo in un certo modo solo a causa delle aspettative soggettive degli altri?

Allontanarsi dalle mode popolari richiede coraggio. Molti credono che lo stile popolare sia il migliore e che i potenti marchi di fotocamere lo supportino in quanto aiuta ad aumentare le vendite. Inoltre, quando ti libererai dalle norme, ci saranno persone che non le capiranno e ti criticheranno per essere troppo attaccati all’opinione pubblica. Ma il problema è con la loro comprensione, non con le tue foto.

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